“Kan vi si at all musikk er lik?”

Benjamin Sire er komponist og journalist. Hans siste album, Electronica Cinematic, ble gitt ut 8. april.

---

Kulturministeren, Rima Abdul Malak, visste at dommen hans ville gjøre buzz på sosiale nettverk. Hun gjenkjente det umiddelbart da Guillaume Erner, som tok imot henne denne torsdagen på settet til France Culture, påpekte det for henne. Frasen ? “All musikk er verdt […] Alle kan finne sin lykke.»

Og det mislyktes ikke. Internett-brukere har blitt revet med dette spørsmålet om verdi, noen fremhever overvekt av følelser i oppfatningen vi har av å lytte, mens andre har ondsinnet hånet helligbrødet av en mulig sammenligning mellom Bach og Booba, mellom klassisk og rap, mellom antatt høykultur og populærkultur, mellom konservative og moderne. Evig debatt som allerede vil ha berørt alle kunstneriske felt og utvilsomt ikke vil opphøre før verdens utslettelse.

Men etter omstendighetene går statsrådens bemerkninger utover det enkle spørsmålet om hverandres appetitt, eller kompleksiteten til denne eller den delingen, og stiller spørsmål ved relativismen som vanner hele samfunnet vårt og som alt pleier å være verdt det for. . Fakta kan ikke lenger skille seg ut fra ren mening, vitenskap fra tro, debatt fra aggresjon. Dette er utvilsomt årsaken til sinnet som en slik setning kunne ha skapt, i tillegg til å glemme at i kulturelle spørsmål er smak noe som kan læres, noe som tilsier at dette er mulig. Og det er i dette Rima Abdul Malak gjør en liten feil med hensyn til sin funksjon. Ved å smigre lytterne til hver stil og ved å anerkjenne en likeverdig evne til oppbyggelse i all musikk, låser den alle i boblen hans, alle i hans “kultur”, og oppmuntrer ikke til denne dyrebare åpenheten til å “leve sammen”, selv om virkeligheten er mer kompleks og mindre meningsfull.

Ved ankomst reproduserer relativisme en form for dominans, i tillegg til å utdype splittelsen som bryter landet vårt ytterligere.

Benjamin Sire

Men det er det. Ved å vurdere ting fra denne vinkelen, kan borgerskapet sjalu bevare sine klasseprivilegier og være stolte av sin raffinement, samtidig som de har tilgang til alle sjangere (vi anser, uten å påstå å ha vitenskapelige bevis for det, at vi lytter til mye mer rap i 16. arrondissement, enn fra Vivaldi til Bobigny), mens han nedlatende ser på ungen fra forstedene, eller fra peri-urbane, tildelt identitetsbolig mellom rap, variasjon, basketball og fotball. Til slutt reproduserer dette en form for dominans, i tillegg til å utdype splittelsen som bryter landet vårt. Dette var allerede den alvorlige feilen til Jack Lang, kulturrelativismens pave, bortsett fra det faktum at da han tiltrådte i 1981, var det virkelig nødvendig å sette søkelyset på visse former for urban kultur som er lite kjent for mange mennesker, til og med selv om de allerede var høyt verdsatt i visse kretser. I dag er situasjonen en helt annen. Hiphop-kulturer (rap, grafisk design, dans, mote) eller manga (animert, tegneserier, Kpop, Jpop, etc.), tatt i vid forstand, for å nevne noen, har kommet inn i alle områder av mainstream i mer enn være i hjertet av trendene som dukker opp daglig på sosiale nettverk. I følge data fra Spotify i 2020, den første strømmeoperatøren som nå representerer 67 % av all lytting (kilde: SNEP), representerer rap 69,7 % av disse på listene, langt foran pop (17,7 %), elektro (8,8 %). ), mens rock og fransk variasjon knapt når 1 % av lytterne (jazz og klassisk regnes ikke med i hovedlistene). Selv om disse dataene ikke tar hensyn til radiolytting, hvis programmering gir fransk sang en stor plass, viser det hvor mye mindre presserende det er å oppdage en kultur… som allerede er dominerende, på tampen av den monumentale konserten som rapperen Booba er. i ferd med å gi til Stade de France. Skjebnens ironi er nettopp at det nå er annen musikk som gjemmer seg i nisjer som er spesifikke for de øvre sosiale klassene eller som representerer de berømte boomerne. Det er derfor hun som heretter bør demokratiseres med største forsiktighet og deles med dem som ser seg innestengt med selvtilfreds overlegenhet i sine kulturelle gettoer. Og etter å ha opplevd det i en assosiativ kontekst, vet jeg hvor mye, for eksempel, oppdagelsen av klassisk musikk og dens instrumenter kan frembringe undring blant et ungt publikum som er totalt fremmed for det og som tidligere ble kvitt i utgangspunktet ubehagelig.

Det gjenstår det vanskelige spørsmålet om musikkens egenverdi, som er, la oss si det med en gang, en falsk debatt… som vi likevel vil åpne veldig summarisk. Alle kulturer, alle land, har produsert musikken sin, mer eller mindre populær, mer eller mindre vitenskapelig, og har aldri sluttet å bringe dem sammen, hvis man f.eks. Bela Bartok. Betraktet av mange som en elitistisk komponist, hentet han likevel en betydelig del av sin inspirasjon fra ungarsk populær dansemusikk. Og hva med en Rabih Abou-Khalil, libanesisk Oud-geni, som satte blikket på jazz for å blande orientalsk musikk med populære slaviske og baltiske lyder? I den store konserten av nasjoner har det klassiske Europa dessuten på ingen måte håndflaten av harmonisk eller rytmisk kompleksitet. Indisk populærmusikk er et rytme- og meterpuslespill som kan gjøre en lærd konservatoriestudent svimmel, det samme gjør Mosambik, som i motsetning til hva navnet antyder, er karnevalsmusikk forankret i Cuba, sekstitallet, eller visse afrikanske sjangere. Når det gjelder arabisk musikk, med dens sterkt endrede skalaer, og dens skift i kvarttoner, er dens oppfatning mest delikat for resten av oss, mens sigøynerjazz, med sine rekkefølger av sjette akkorder, alle glade og dansende heller – han, ikke er en skinning modell. For i sannhet er vår europeiske musikk, som gir næring til konsertene til Bach så vel som “instrumentene” til Orelsan, selv om den tilbyr uendelig med melodiske muligheter, langt fra å være blant de rikeste harmonisk. Grunnlagt på de greske modusene (dorisk, mixolydisk, lydisk modus, eolisk osv.), er den basert på de hellige syv tonene og deres fem endringer (skarpe og flate, som ikke viser noen forskjell når de spilles på et temperert keyboard), hvis bruksverdi trenger ikke stilles spørsmål ved. Tross alt forblir en gjøre i arbeidet til Mozart eller Aya Nakamura en gjøre.

Det er derfor ikke sjangeren som gir musikken sin egenverdi, men måten den er unnfanget på, og formålet den er komponert for.

Benjamin Sire

På den annen side kan forskjellen manifestere seg gjennom dette spørsmålet: hvorfor, til hvilket formål produserer vi musikk, selv om alle håper å se arbeidet deres møte suksess? Noe musikk er ment å kartlegge forskningsfeltet, mens andre spiller utelukkende på grunnlag av følelser og betegnelsen. De kan også tilhøre samme sjanger, hvis vi tenker på den lidenskapelige debatten som rev jazzens verden fra hverandre, mellom swingperioden, enkel og effektiv, spesifikk for før andre verdenskrig, og bebop, deretter jazz-rock, mye rikere og mer kompleks for øret. Det var det samme da klassisk musikk måtte møte fremveksten av samtidsmusikk, noe som fikk Beethoven til å passere for en komponist av bluettes. På den ene siden krever følelser ofte enkelhet og bruk av mestrede formler, når betegneren passerer gjennom ord. Dette gir sangen i alle dens former, akkurat som rap. Når det gjelder forskning, er målet å flytte grensene til de kjente verdenene ytterligere, og dens musikalske forståelse kan ikke gjøres uten en viss utdannelse.

Men hvis debatten lansert av kulturminister fortjener litt oppmerksomhet er at en annen del av data forstyrrer den, og ikke minst. Til tross for den enorme økonomiske modellkrisen som ryster musikkens verden, har den aldri vært så fortært. Og valget av verbet “å konsumere” er ikke uskyldig. Musikk har blitt et betydelig og ekstremt konkurransedyktig marked hvis industri er dominert av giganter som unngår å ta risiko så mye som mulig og har en tendens til å utarme det som skjer på høyttalerne våre. Det er det samme på kino, gjort ublodig av Covid-krisen. De uavhengige biter i støvet mens storfilmene, stadig dyrere, mer og mer spektakulære, ikke lenger har råd til den minste fantasi og adlyder nøye spesifikasjoner som ser at de alle ser litt like ut, siden produksjonen av oppskrifter er den eneste garantien for… økonomiske inntekter. Uansett om vi vurderer rap eller pop produsert i hovedfag eller lignende, er problemene de samme. Når lyttere mottar et stykke, oftest presset av tverrmedia og grenseløs promotering, trenger produsenter at sausen tar tak umiddelbart. For dette er ingenting bedre enn å stadig resirkulere de samme rettene, for å utarme den harmoniske bruken, slik at lytteren har en følelse av fortrolighet fra første lytting til et stykke. Og det er her vi kan snakke om verdien og forringelsen av domenet; rap, tatt som eksempel av ministeren, er ikke langt den sjangeren som er mest berørt av dette problemet, i motsetning til pop eller variasjon. Det er ingen tilfeldighet at en betydelig del av de største internasjonale hitene som er hørt de siste årene er et resultat av en enkelt produksjonsstruktur, ledet av den gåtefulle svenske produsenten, Max Martin, mannen som vil tvile på den mest engasjerte for utarming av musikk i verden. Døm heller noen av navnene som dukker opp i stallen til den skandinaviske magnaen: Britney Spears, Céline Dion, Pink, Avril Lavigne, Katy Perry, Usher, Maroon 5, Justin Bieber, Taylor Swift, Shakira, Jennifer Lopes, Ariana Grande, The Weeknd , Selena Gomez, Justin Timberlake, Ed Sheeran, Lady Gaga, Coldplay og flere. Det er ikke en dårlig ting i seg selv at et slikt spyd av stjerner nyter godt av tjenestene til en og samme mann. Problemet er at han har etablert en slags kvasi-algoritmisk suksessoppskrift, basert på anvendelsen av elleve postulater, som han etter eget ønske påfører de fleste av titlene han er ansvarlig for, uavhengig av hva slags disse. Han innrømmet det i 2017, i et av hans sjeldne intervjuer gitt under en mesterklasse. Men blant disse elleve postulatene (som åpenbart er en tilnærmet syntese av arbeidet til produsenten), forklarer flere utarmingen av en god del av musikken som når oss. Blant dem det faktum å ikke bare forenkle melodien så mye som mulig, samtidig som den gjør den så effektiv som mulig – noe som på ingen måte er åpenbart – men fremfor alt å avvise den smart både i versene og i refrengene i samme stykke. Der du tror du hører en sang i forskjellige deler, er det faktisk alltid den samme som kommer tilbake til deg i forskjellige former, slik at når refrenget kommer inn, virker det opplagt for deg. Akk, dette betyr også at sangen du svinger til er helt sikkert musikalsk dårlig. Business er business…

Det er derfor ikke sjangeren som gir musikken sin egenverdi, men måten den er unnfanget på, og formålet den er komponert for. Det har alltid vært slik og det vil det nok alltid være. Kanskje, dessverre, når målet bare er økonomisk…